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Caravaggio
Texto de Cristina M. Frutos

De piedra debió quedarse Fernando I de Médici al recibir de parte del cardenal Francesco del Monte este sobrecogedor lienzo de Michelangelo Amerighi (1571–1610), más conocido por Caravaggio (apodo que debe a la ciudad natal de su familia y en la que él se crió). No es sólo que el Gran Duque de la Toscana se pudiera sentir abrumado, sino que la expresión que plasmó Caravaggio en La Medusa es, como la figura mitológica en la que se basó, capaz de dejar petrificado a cualquiera que ose mirarla.

Sin embargo, la intención de la obra no era ésta, o al menos no fue la idea que se le pasaba por la cabeza al cardenal Del Monte cuando pidió al pintor italiano que se pusiera manos a la obra con el encargo. El que fue uno de los principales protectores de Caravaggio tenía unas pretensiones bastante más terrenales: se trataba de beneficiar a su protegido y extender su fama por toda Florencia. Y de paso, mostrarse ante la familia Médici, conocida por su inclinación artística, como interesado y entendido en la pintura, afianzando así la relación con ellos. No fue casual tampoco la elección que Del Monte hizo del tema, ya que, según cronistas y biógrafos de la época, en el palacio de los Médici se encontraba una obra de Leonardo da Vinci de la misma figura de Medusa. Por tanto, se trataba también de un desafío donde lo único importante era dejar claro no sólo que Caravaggio podía ser tan buen pintor como el renacentista Leonardo, sino que él era protector de ese mismo pintor.

La Medusa fue pintada sobre lienzo y montada sobre un escudo de madera de álamo, y, curiosamente, a pesar de que el soporte es convexo, el pintor consiguió crear la ilusión de concavidad. De tal manera que la agresividad de la expresión se acentúa en gran medida. El primer lugar desde el cual La Medusa mostró su horror fue en las paredes de la armería del Gran Duque, donde fue expuesta junto a un despliegue de exóticos caballos y armaduras. No en vano fue concebida como una pieza más del traje de guerra aunque siempre se mostró como una obra de arte, primero en dicha estancia y dos siglos después en lo que se bautizó como Galería Uffizi. Este museo era en realidad una colección privada hasta que en 1762, con el cambio de dinastía en Florencia, se decretó que pasara a ser de dominio estatal. Llegaba por entonces el fin de la influencia de la familia Médici, cuyos miembros desde el siglo XIII habían destacado en la sociedad italiana por su poder –ocuparon desde el Señorío de Florencia al Papado– y que pasarían a la Historia por ser el perfecto ejemplo de una saga de mecenas. Todas las obras que pasaron por las manos de esta familia siempre han estado consideradas como grandes obras maestras, y ésta no fue una excepción. Sin embargo, detrás de todas ellas se esconden hipótesis y leyendas que se encargan de multiplicar el alcance de su aura y La Medusa, teniendo en cuenta que en ella se mezclan la mitología con un autor controvertido, no iba a ser menos. En primer lugar, lo evidente. Lo que representó Caravaggio en este escudo fue el momento en que, según la mitología clásica, Medusa murió. Este monstruo –considerado una de las tres Grogonas –con cuerpo femenino y cabellera compuesta por serpientes venenosas, convertía en piedra a todo el que osaba acercarse y mirar sus ojos. Perseo, héroe mitológico, se enfrentó a ella y convirtió el poder del monstruo en su mejor arma: al protegerse con un escudo, Medusa se vio reflejada y ella misma quedó petrificada. Precisamente es este instante del que dejó constancia Caravaggio con sus pinceles. Incluso se baraja la posibilidad de que, al igual que hizo en muchos otros cuadros, fuera un autorretrato. Si Perseo había usado la cabeza de Medusa contra sus enemigos, el pintor usó este poder para vencer a su propia imagen, como una peculiar forma de autocastigo. Pero más allá de la mitología aparecen otras explicaciones respecto a la temática escogida por Del Monte y el pintor.

La imagen de Medusa pasó a ser con el tiempo símbolo del triunfo de la virtud sobre el pecado, lo que explica que el cardenal quisiera con ella regalar todo un símbolo a los Médici. Además, parece ser que este mito estaba vinculado desde antiguo con la ciudad de Florencia y su familia más famosa, no obstante, una estatua de Perseo con la cabeza de Medusa en sus manos (atribuida a Benvenuto Cellini) presidía la céntrica plaza de la Signoria, en esta misma ciudad. Sin embargo, hay otra corriente de opiniones que gira en torno a explicaciones algo más oscuras. Por un lado se atribuye la elección de tan sórdida imagen a la afición e interés que la alquimia y la nigromancia despertaban en el cardenal Del Monte, y que, según algunos historiadores, compartía con Fernando de Médici. Más escabrosa parece la teoría según la cual ésta era una extravagancia más de Caravaggio que, por estos años, dejó otros testimonios igualmente inquietantes como Salomé con la cabeza de San Juan Bautista. Su constante afición por lo morboso se relacionó después con su carácter huraño y sus manías persecutorias, incluso se han encontrado vínculos entre las obras que realizó en esta época y el asesinato que el pintor cometió unos años después en 1606.

No cabe duda de que la mirada, el grito aterrador que pronuncia La Medusa de Caravaggio, genera bastante desasosiego. El poeta barroco Giovanni Battista Marino escribió sobre la imagen: «Esa fiera Gorgona y cruel a la que horriblemente colúmenes viperinos dan escuálida pompa, y espantosa tiene la crin». Tal vez este rostro no sea la representación más exacta del horror que un pintor haya hecho, sin embargo sugiere un sentimiento terrible, y por eso, más de uno cuando la mira gira inconscientemente la cabeza... por si acaso.


Sin duda, Caravaggio fue sobrecogedor en muchas de sus obras, y también revolucionario. Inició en Italia un nuevo estilo pictórico, el tenebrismo, que constituye una contribución pictórica de trascendencia universal, y que influyó en pintores de la talla de Rembrandt, Murillo, Zurbarán o Velázquez. En sus obras abundan los cuerpos imponentes y el erotismo ambiguo, incluso en la representación de personajes bíblicos, lo que fue muy criticado en su tiempo, pues la sociedad no estaba preparada para aceptar algo tan revolucionario.

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Amapola_Blanca

Un día te das cuenta de que tu pasado no te da las claves que necesitas para poder funcionar, y entonces empiezas a crear otra realidad paralela, pero en lugar de ser una fantasía, se convierte en una realidad. Entonces la memoria es ficticia, porque vives en un mundo tan real que la realidad es irreal, y te dices a ti misma que la realidad te importa un pimiento, que te hace sufrir. Con el paso del tiempo, esa memoria que te has ido inventando, tiene todos los componentes de una memoria vivida.


Hola AmaAzu,

Esta es la artista que te ha fascinado. Una bilbaína que trabaja en Madrid. Se usa a sí misma en muchos de sus trabajos donde ella es su propia materia prima, su modelo y su herramienta de trabajo.

Preciosa, verdad? me alegra que te guste porque también lo comparto.

El enlace a su web: ANA LAURA ALÁEZ

Te dejo un beso grande y otro más todavía para tu querida sumi_pé{AA}.

Hasta pronto.

Amapola

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McQ

¿Donde empieza un concepto y donde acaba el otro? ¿Se mezclan? ¿Se complementan? ¿El diseñador es artista o es un artesano?

Una arte aplicada, pero considerando que el diseño deberia reunir unas cualidades de funcionalidad es quizás donde choca con el concepto de moda y se acerque más a obra de arte; toda actividad creativa no es Arte pero el diseñador es creador ya sea bajo un concepto mercantil, y comercial, o se mueva bajo impulsos meramente artisticos, sin condicionamientos externos, es aquí donde uno podria ubicar a un diseñador de moda, en matemáticas moda es el valor que más se repite, el de mayor frecuencia, cuando en diseño representa una regualridad o una tendencia sobre lo que se considera de actualidad.

Manolo Blahnik es uno de estos creadores privilegiados aglutinando los tres conceptos antes comentados, DISEÑADOR, ARTISTA Y CREADOR DE MODA.

Crea autenticas obras de arte para las damas más glamourosas, esclavas de la sofisticación, caprichosos diseños muy exclusivos. sus obras de arte son confeccionadas artesanalmente, convirtiendose en puros objetos de deseo de muchas mujeres.

Adjunto el boceto y modelo de una de sus últimas creaciones para valentino y su pasarela en el Coliseo Romano, la inspiración del detalle es evidente.

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Amapola_Blanca

Gracias, Black, por elegir un texto tan emocionador.

Parece que siempre la conocemos por primera vez que siempre, por primera vez, aprendemos su historia, que ningún texto queda nunca indiferente ante su historia.

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Amapola_Blanca

Hola McQ,

te recuerdo que el proyecto mas próximo de reunir las artes y las artesanías fue La Bauhaus, en Alemania a principios del siglo pasado. Un intento de racionalización para el arte visual, el diseño, la arquitectura y las artes aplicadas, cuyas bases teóricas estuvieron en los textos de Kandinsky y Moholy-Nagy.

Los objetivos eran reunir todas las disciplinas en lo que fue un verdadero laboratorio de creación e investigación donde trabajaron pintores, arquitectos, psicólogos, etc. El arquitecto Walter Gropius fue el creador de esta escuela que hoy existe tan sólo como legado y que supuso una reconciliación entre lo que anteriormente se había desarrollado por separado, en razón a la luz incomparable del genio de la Modernidad – el Renacimiento-: el arte, y los oficios y las especialidades.

Hasta ahí encaja con lo que expones, en cuanto a criterios de funcionalidad, aun sin estar de acuerdo en que ello mismo se opondria a la competencia de la Moda (que a mi entender puede también ser funcional y no por ello menos creativa o artística). Lo que no comprendo es lo que dices después quizás debido a que no soy capaz de invocar la correcta puntuación en el texto, dicho con todo el respeto:

... es aquí donde uno podria ubicar a un diseñador de moda, en matemáticas moda es el valor que más se repite, el de mayor frecuencia, cuando en diseño representa una regualridad o una tendencia sobre lo que se considera de actualidad.

Reconozco que estoy en baja forma, pero te ruego me lo expliques porque segura que me interesa. Por favor.

Por otro lado, las distinciones siempre han sido una cuestión de mercado, de industria, de organización, políticas, etc. Pero lo que prima es la idea, el común denominador es la idea, sin la cual no hay proyecto. Y esa idea está formada del mismo material en moda, en arte, y en tantos oficios. No te parece?

bauhaus-archiv museum fr gestaltung

Te dejo un saludo afectuoso.

Amapola

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McQ

Debería empezar este pequeñisimo comentario, solo a modo de "gracias por tu aportación i blablabla" a AmapolaBlanca, tomarme mi tiempo, y después entrar de lleno en lo que fue la Bauhaus, sin lugar a dudas la mejor escuela de artes y oficios del siglo XX hasta la llegada de Hitler.
Pero dejo un minimo prolegomeno y sinopsis.

En ella se juntarón de lo mejorcito que ha dado la Arquietectura y el Diseño Industrial en el siglo pasado, y que por causas de la 2ª Guerra Mundial el mas beneficiado del saber y la obra de esos genios fuerón los Estados Unidos, lugar donde acabarón emigrando y exiliandose la mayoria de miembros de aquella escuela que fue una eclosión de nuevo aire a todo lo relacionado con las Artes Aplicadas.

De ella salierón diseños cotidianos, utensilios, muebles, edificios, complejos urbanisticos, nuevas teorias urbanisticas, experimentarón con nuevos materiales y nuevas propuestas en el campo del diseño industrial...

Se puede considerar como la 1ª escuela de diseño e influencio las bases y estilos de las generaciones siguientes.

En ella trabajarón gente del talento de Kandinsky, Klee, Mies van de Rohe, Walter Gropius...

(continuara...)

McQ-tiempo, preguntas, respuestas, longevidad...-

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AmaAzu

amapola_blanca querida:

Mil gracias. Ha sido un autentico placer para mi el descubrimiento.
Es deliciosa

Mi sumi_pé y yo te enviamos un beso grande desde el centro

AmaAzu

Amapola_Blanca

Hola McQ,

dejo unos modelitos con el deseo de que te gusten, aunque sin mucha esperanza, lo reconozco humildemente.

Si tuvieras a bien responder mi incordiante y antepasada pregunta podría agradecerte con gusto la atención.

Que tengas un buen día.

sinceramente,

Amapola

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McQ

CONTENEDOR Y CONTENIDO.

Los nuevos contenedores de arte, los museos del nuevo milenio, parecen tener más repercusión e importancia que sus contenidos, ya sean los que pertenecen a la colección permanente o a las muestras transitorias.

Cierto es que ya hay museos desde hace decadas en que el edificio, considerado ya en sí mismo una obra de arte como tal, adquiere más protagonismo y fama que lo que expone en su interior, el caso del Guggenmheim de NY, el MOMA y más cercano la Fundació Miró son claros ejemplos.

Edificios ejemplares, dignos de ver, eliminando todos los topicos que puedan encontrarse en el concepto de museo del siglo XIX o XX.

En España tenemos los casos recientes de los edificios renovados y modernizados que CaixaForum ha abierto en Barcelona y Madrid; recuperando viejas factorias adaptandolas a nuevos conceptos museisticos y devolviendo a la vida construcciones que posiblemente en un acto de especulación urbanistica podian haber sido derribados.

El CaixaForum de Barcelona, la antigua fabrica textil Casaramona,obra del coetaneo de Gaudi, Puig i Cadafalch, enclavada en Montjuich, cerrada durante muchos años y salvada del derribo por la entidad financiera, casa perfectamente con el patrimonio modernista de Barcelona. Algo que supo respetar y combinar perfectamente con las nuevas tendencias arquitectonicas Arata Isozaki.

Y el recientemente inagurado en Madrid, tambien tiene su origen en la industria, ya que fue la antigua Central Eléctrica del Mediodía, con la misma fachada aunque "levitando" sobre sus cimientos, los arquitectos, los suizos HerzogDe Meuron, han levantado con tres enormes pilares y han multiplicado con ello por cinco los casi 2.000 metros cuadrados originales. Se recuperó la plaza, que tiene 2.500 metros cuadrados, se convirtió la medianera en un jardín vertical,posiblemente lo mas original en toda la obra, y de esa forma, el edificio, que tiene ahora siete plantas, dos de ellas dentro de un techo de una fundición de acero, se abre al paseo del Prado, justo enfrente del Jardín Botánico, "como si se unieran en un pasillo", según comentó uno de los arquitectos del proyecto.

Casí al mismo tiempo que Rafael Moneo entregaba la ampliación de el museo de el Prado, y actualizando la pinacoteca ma´s importante del territorio nacional, situando a madrid y al paseo del Prado en uno de los puntos más densos en cuanto a museos y centros de arte del mundo.

McQ

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Amapola_Blanca

Hola AmaAzu,

hay una serie de fotos de una performance de pony girl, en la web de Ana Laura. Están bonitas.

Que la disfrutéis con salud.

Recibo ese beso grande que me mandáis.
Gracias.


Amapola