Arte - Página 31

McQ · 19/07/2008, 09:52

La epopeya sobre los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936, obtuvo no solamente el gran reconocimiento del gobierno y pueblo nazi, sino que además fue premiada con gran éxito de público y crítica con un León de Oro en el Festival de Venecia (evidentemente el fascismo de Mussolini mucho tiene que ver en ese Leon de Oro) .

Fue la propia Riefenstahl quien propuso a la UFA el proyecto de filmar los Juegos Olímpicos. La cineasta comenzó a negociar con el COI y pareció buscar la independencia respecto al patrocinio oficial de la Alemania nazi, pero finalmente contaría con todos los medios gubernamentales puestos a su alcance, con un presupuesto prácticamente ilimitado y el respaldo del Tercer Reich.

Durante su filmación tuvo a su disposición todo tipo de recursos, tanto económicos como técnicos, en momentos en que la restricción económica afectaba al resto de los cineastas. Hace de la confrontación deportiva un espectáculo épico.

Reifenstahl incluyó nuevas formas de filmar deportes, entre ellos la cámara lenta y numerosas variaciones de perspectiva (picados, contrapicados, travellings, camaras subaquaticas).

Goebbels, le pidió que no destacara los triunfos de los atletas no arios. Reifenstahl incluyó las victorias de deportistas de todas las razas, entre ellos una de las "estrellas" del film, el corredor negro estadounidense Jesse Owens, sus 4 medallas rompieron el mito de la raza superior que Hitler quería imponer.

Según Reifenstahl, ella nunca estuvo de acuerdo con las ideas racistas del Führer y contaba a varios destacados judíos entre sus amigos.

Se estrenó el día del cumpleaños de Hitler en sesión privada, en dos partes Fiesta de los pueblos y Fiesta de la belleza.

Aunque "Olympia" luego se consideró una de las mejores películas del siglo, Riefenstahl no fue bien recibida cuando visitó a varias personalidades de Hollywood en 1938.

Amapola_Blanca · 20/07/2008, 12:30

*

Entonces me convencí, Sonia..
de que el poder no se le concede más que al que se inclina para tomarlo.
Todo consiste en eso: basta, pues, atreverse.
Desde el momento en que esa verdad se me presentó, clara como el sol, quise “atreverme”,
y asesiné... ;
únicamente quise ser audaz, Sonia, y ése fue el móvil de mi acción.

[...]

¿acaso maté yo a la vieja... ?
¡No, me maté a mi mismo, y me perdí para siempre... !
En cuanto a la vieja, no la maté, yo, fue el diablo.

fiodor dostoyevsky

* *

McQ · 20/07/2008, 17:30

"No eres libre como imaginas. Tu libertad no es más que un fantasma que va por el mundo con un manto de niebla. Cuando tratas de asirla se te escapa sin dejarte más que un rastro de humedad en los dedos."

Luis Buñuel

Amapola_Blanca · 23/07/2008, 23:20

*

- Aún así, díme quién eres.

- Una parte de aquella fuerza que
siempre quiere el mal y que siempre
practica el bien.

Goethe

* *

McQ · 25/07/2008, 19:13

El criado de Werther llegó a casa con las pistolas y se las dios a su amo, quien las tomó con un tipo de placer cuando supo que venían de las manos de Carlota.

...

...Tú, Carlota, eres quien me entregas esta arma destructora; así recibiré la muerte de quien quería recibirla yo...
...

...por última vez he visto los campos, el cielo y los bosques. También a ti doy el último adiós. Tú, madre, perdóname. Consuélala, Guillermo. Que Dios los llene de bendiciones. Todos mis asuntos quedan saldados...

...

...Mal he pagado tu amistad, Alberto; pero sé que me perdonas. He turbado la paz de tu hogar; he introducido la desconfianza entre ustedes… Adiós, quiera el cielo que mi muerte te devuelva la felicidad...

...

...Todo duerme a mi alrededor y mi alma está tranquila. Te doy las gracias, Dios, por haberme concedido en momento tan supremo resignación tan mayúscula...

...

...Sereno y tranquilo tocaré la puerta de bronce del sepulcro. ¡Ah! ¡Si hubiera tenido la suerte de morir como sacrificio por ti! Con alegría y entusiasmo hubiera dejado este mundo, seguro de que mi muerte afianzaba tu descanso y la felicidad de toda tu vida. Pero, ¡ay!, sólo algunos seres con privilegios logran dar su vida por los que aman y ofrecerse en holocausto para centuplicar los goces de sus existencias amadas...

...

...¡Ah! Nunca sospeché que aquel principio llevaría a este final. Ten calma, te lo suplico, no desesperes... Están cargadas… Oigo las 12… ¡Que sea lo que tenga que ser! Carlota… Carlota… ¡Adiós! ¡Adiós!

...

Goethe

YouTube - Alfredo Kraus - Werther

Amapola_Blanca · 26/07/2008, 12:19

*

Cuando en el mes de abril de 1973, Nathan Lerner, casero de un modesto piso del North Side de Chicago, abrió la puerta de la vivienda en la que había vivido durante 40 años su singular y recién fallecido inquilino, Henry J. Darger, se encontró con un escenario del que tardó en dar crédito : un cuarto atiborrado de recortes de periódicos, cómics, revistas, libros destripados, aparente basura y unas gigantescas acuarelas que repetían obsesivamente las imágenes de niñas desnudas con grandes alas de mariposa siendo perseguidas por soldados empuñando bayonetas de época. En una segunda inspección, halló sepultado uno de los libros más extensos conocidos, 15.154 páginas, titulado The story of the Vivians girls, in what is known as the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinian War Storm, caused by the Child Slave Rebellion, que ha sido traducido como La historia de las niñas Vivian, en lo que se conoce como los Reinos de lo Irreal, sobre la Guerra-Tormenta Glandeco-Angeliniana causada por la rebelión de los Niños Esclavos. Supuestamente, las grandes acuarelas, pintadas por el propio Darger, ilustraban el libro escrito en sus más de cuarenta años de reclusión. El casero, Nathan Lerner, significado fotógrafo, detectó enseguida la extraordinaria calidad de aquellos trabajos, y se asignó el trabajo de albacea, a pesar de que, como le había ocurrido a Max Brod con Kafka, Darger le había dejado expreso deseo de que destruyera todo lo que encontrara en el apartamento. Ningún vecino sospechó jamás la obsesión que minaba la vida de aquel solitario de patrones fijos, que buscaba en la basura, sólo hablaba de los partes meteorológicos y únicamente salía de su casa para ir a misa cinco veces al día. Hoy, su obra, una de las más importantes de lo que se ha dado en llamar outside art o arte marginal, es una de las joyas del American Folk Art Museum de Nueva York.

Como cerrando el círculo de lo exacto que le obsesionó toda su vida, Henry J. Darger nació un abril (1892), se cree que en Brasil, y falleció otro abril (1973). Se sabe que su madre murió pocos años después de darle a luz, en el parto de su única hermana, a la que nunca conoció, pues fue dada en adopción. El padre, mentalmente enfermo, se hace cargo del crío, hasta que no puede continuar cuidándolo, y es entonces cuando el pequeño Henry es internado en un orfanato católico y más tarde en una institución psiquiátrica. Se le diagnostica la enfermedad de “tener el corazón en el lugar equivocado”, así como “masturbación”. A los 16 años se fuga y sus biógrafos le pierden la pista hasta que reaparece en Chicago, a principios de la década los años treinta. En ese momento ya ha desempeñado diversos trabajos menores y su aspecto es el de un vagabundo. Sólo se le conoció un amigo, desaparecido a mediados de esa década, William Shloder, con quien intentó fundar la Sociedad Protectora para Niños, proyecto que jamás se materializó.

LOS EXPERTOS EN ARTE MARGINAL, se quedaron perplejos al ver que aquel libro de 15.154 páginas contaba una historia épico-onírica desquiciada, con rasgos de claro tormento.
En un planeta alrededor del cual orbita la Tierra, hay un reino cristiano llamado Abbiennia, y siete princesas luchan contra ejércitos de soldados adultos llamados Glandelinians, que las quieren esclavizar. Estos soldados van ataviados con trajes muy parecidos a los del Ejército Confederado de la guerra civil norteamericana, tema que fascinaba a Darger.
Las grandes acuarelas representan a pequeñas ninfas correteando por prados
en lo que sería una versión naïf del reino, pero también escenas de empalamientos de las niñas con las vísceras al descubierto; en otras ocasiones, las niñas aparecen con grandes alas de mariposa a la espalda, y casi siempre en paisajes amenazantes, con tornados y vientos cubriendo el horizonte. Los niños se rebelan, pero es habitual que perezcan en manos de los soldados. En lo que parece ser un rasgo de inseguridad congénita enmascarado en la vida ascética de Darger, la historia tiene dos finales,
en uno triunfan las Vivian, que representan a la cristiandad, y en el otro, los soldados Glandelinians. Podemos imaginar en ese doble final al adulto Darger sacando a flote todas sus obsesiones y represiones, producto de la severísima educación cristiana del orfanato, contrapuesta a la crueldad del mundo exterior que le acompañó desde que su madre falleciera.

Se ha especulado mucho sobre la obsesión de Darger con el universo de la infancia.
Una posibilidad nos remite al año 1911, cuando una niña de cinco años, Hélice Paroubek, fue estrangulada en Chicago.
Se sabe que Darger guardó el recorte de la fotografía del periódico muchos años, y que se la enseñaba a la gente de la calle, después la perdió y eso supuso para él una angustia que sólo superó escribiendo y dibujando su monumental obra, incluso incorporando a la pequeña estrangulada como personaje recurrente.
Su biógrafo oficial, John McGregor, especula en la obra Henry J. Darger: in the Realms of Unreal que, potencialmente, Darger era una asesino en serie, incluso se ha llegado a afirmar que el propio Darger fue el asesino de la pequeña, algo que se considera muy improbable.

PERO LO QUE LLAMÓ más la atención de las actividades “secretas” de Darger fueron las grandes ilustraciones que creaba a partir de recortes de cómic y revistas que encontraba en la calle, y en especial un detalle : las niñas están dotadas de un pequeño pene, y las que están desnudas sólo visten calcetines. Se ha dicho que Darger siempre rechazó tener relaciones sexuales por miedo a que la desconocida fuera aquella hermana que dieron en adopción al nacer, y de ahí su desconocimiento en anatomía femenina. Otras versiones apuntan a que el diminuto pene de las niñas esté inspirado en el Niño Jesús que veía en sus diarias vivitas a la iglesia.

[...]

Influencias

Los neoyorquinos Animal Collective, por ejemplo, se inspiraron en las acuarelas de Darger para la portada de su disco Feels. Por su parte, Natalie Merchant, en el disco Motherland, compone una melancólica y larga súplica pop llamada Henry Darger, en la que se pregunta por el destino de las Vivian girls. El grupo de punk-rock The Vivians Girls actúa disfrazado de las niñas imaginadas por Darger, y las animan en sus canciones a continuar luchando contra el mal. Hasta existe una película documental, The Realms of the Unreal (2004), de Jessica Yu, en la que se destripa la vida. Como el eco de un silenciosos BigBang, el solitario Darger lanzó una piedra hace muchos años, se descompuso en el aire, los fragmentos fueron cayendo en sucesivas partituras a través del siglo XX ..

Agustín Fernández Mallo

* *

McQ · 08/08/2008, 08:37

Un viaje por África la llevo a Sudan, donde descubrió a la tribu de los Nuba, pueblo primitivo, sin apenas contacto conla civilización moderna, anclados en sus ritos y tradiciones, Leni Riefsentahl quedo cautivada y maravillada por esos cuerpos monumentales, atléticos y vigorosos, cuerpos perfectos, curtidos bajo el sol, brillan con luz propia.

Fotografiados entre 1962 y 1977 la serie que realizo de esta tribu es sin duda un reportaje único no solo desde un punto de vista artístico sino antropológico y etnológico.

Con la publicación de estas fotos Leni renació de sus cenizas, enterradas como parte del pasado nazi, acusada y sentenciada a una soledad y a un olvido que una artista de su talla no mereció. Su lucha y su arte no deben ser juzgados por su episodio nazi, sino englobarlo en toda una carrera que nos ha dejado maravillas únicas como esta de los Nuba.

Amapola_Blanca · 15/08/2008, 13:25

*

La obra de arte expresa frecuentemente más de lo que quiso el autor, y éste se queda a menudo asombrado ante resultados que no había previsto. El nacimiento de una obra es, en ocasiones, una especie de generación espontánea. Unas veces el dibujo penetra el objeto, y otras el color adquiere formas que determinan el asunto. Me sorprende el empleo y el abuso que se hace de la palabra evolución. Yo no evoluciono : soy. En arte, no hay pasado ni futuro. El arte que no sea presente no será jamás. El arte de los griegos, el de los egipcios, el de los grandes pintores que vivieron en otro tiempo, no es un arte del pasado ; quizá sea hoy más vivo de lo que fuera nunca. El arte no evoluciona por sí mismo, son las ideas de las gentes las que cambian y, con ellas, su modo de expresión.

Cuando yo pinto, mi objeto es mostrar lo que he encontrado, no lo que ando buscando. Las intenciones no son suficientes en arte y, como decimos en español, obras son amores y no buenas razones. Lo que cuenta es lo que uno hace, no lo que uno tiene intención de hacer.

Lo que yo hago procede de mi mundo interior. Pero al mismo tiempo necesito los contactos y cambios que establezco con los demás. Yo necesito a los otros, no solamente porque me traigan algo, sino porque soy víctima de esa incansable curiosidad que ha de satisfacerse con sus visitas. Yo pinto exactamente igual que otras personas escriben su biografía. Los cuadros, terminados o no, son las páginas de mi diario y, como tales, válidas. El futuro escogerá las páginas que prefiera ... En algunos de mis cuadros puedo afirmar que los esfuerzos han sido llevados hasta su conclusión y último paso, porque a través de ellos he sido capaz de mantener el fluido de la vida que me rodea.

...

Pablo Ruiz Picasso

* *

Sea_Lord · 18/08/2008, 19:18

Ayer escuchaba un breve concierto de un grupo de hexacordio, de musica renancentistas bajo el artesonado de una vieja antigua iglesia aun en uso religioso y a menudo en eventos culturales. Y recordaba este espacio en Cs y aportar algo sobre la etapa realista que hizo de Picasso un privilegiado en la escuela de San Fernando antes de romper con los canones realistas por la razón que no llenaban su expresividad, deseos de componer y creatividad.

Pero aqui que en el reducido espacio de sillas, coros, instrumentos y focos y la penumbra del resto de la nave central de dicha edificación una soprano cantaba y al forzar su tono se ergía reforzando su feminidad sobre el resto del la coral a la que pertenecía. De hecho al cantar en solitario el efecto era aun mayor bajo el color y calor de fuertes focos y recordé a otros de mis preferidos, alguien tan misterioso como Amadeo Modigiani y que a mi entender junto con Paul Gaugin crearon una imagen femenina mitad salvajismo, un tercio indigenismo y una rehidratación tratada con colores diferentes aun al resto de sus contempoaraneos en sus bohemias artísticas con un retoque de melancolía.

Perfilar una dama y tratarla como una estatua nigeriana o un idolo de Pascua, buscar la forma de pintar con las mismas tecnicas que la escultura, sintentizar las imagenes y dotarlas de una gran sensualidad fue una labor que lo llevo a la ruina como a muchos creadores y a la fama postuma como muchos artistas, hasta que su trabajo se inmortalizo en la mirada perezosa de sus modelos convirtiendolas en arte e historia de la pintura.

Recuerdo a mi primer profesor de historia del arte que en su ignorancia aplicaba a la esbeltez de la imagen de El Greco, un achaque visual: y ese antecesor en los colores a Paul Cezanné y en las formas a Modigliani me han dado mucho que pensar sobre el camino de Modigliani de esculpir las figuras con colores postimpresionistas y darle acabados totalmente humanos y simples a la belleza de la mujer, obteniedo de ella una extraña mistica en colores de atardecer y mediodias.

Quizas vosotros saqueis otras conclusiones y esperando que os guste, intentare colgar varias fotos en dos posts, Modigliani se lo merece y ami me gusta.

Sea_Lord

Amapola_Blanca · 24/08/2008, 20:11

Hola Sea_Lord,

expresión y expresividad son distintos. Ser fiel a la forma que tiene ante sí el artista, para proyectar -lo proyectado en la retina- al lienzo, usando recursos técnicos convencionales ya aprendidos, creo que es expresión. Pero sacrificar esa fidelidad académica comporta tomar decisiones, ir a un vacío formal que acaba por expresar el ser más interno del que se expresa

veo la expresividad entonces como una capacidad de transmitir, más allá de la retina, aquellas cosas que se parecen a lo que sentimos ante la poesía

aunque no tenga que ver con ningún estilo.

Gracias por su aportación, Modigliani es especial

un beso.

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